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Testbericht: Loupedeck+ Mischpult für Bildbearbeitung (z.B. in Lightroom oder Capture One)

6. Mai 2019 Robert Kneschke 2 Kommentare

Ende Dezember 2016 gab es diese erfolgreiche Crowdfunding‐Kampagne für ein neues Eingabegerät namens Loupedeck.

Das Loupedeck ist eine Art Mischpult, mit der verschiedene Software‐Programme, allen voran Adobe Lightroom, statt mit der Maus und Tastatur mit Drehknöpfen und anderen Reglern bedient werden können. Das soll schneller und intuitiver gehen als mit den genannten Alternativen.

Ich bekam schon vor über einem Jahr die Anfrage, ob ich das Gerät testen möchte. Ich war damals interessiert, musste aber absagen, da ich meine Bilder nicht mit Lightroom, sondern mit Capture One (und diesem Workflow) entwickle.

Nun schrieb mir die Marketingfirma von Loupedeck erneut, aus zwei Gründen. Erstens ist seit einigen Monaten eine verbesserte Variante des Loupedeck, das Loupedeck+ auf dem Markt, bei der die Regler und Knöpfe eine bessere Haptik bieten sollen und die Funktionsbelegung individueller anpassbar ist.

Außerdem wird seit kurzem auch Capture One in einer Beta‐Version unterstützt und deshalb schickte mir die Firma ein kostenloses Testgerät zum Ausprobieren.

Hardware

Das Gerät kostet 239 Euro inklusive Versand* und ist ca. 39,5 cm breit und 15 cm lang und hat einen USB 2.0-Anschluss. Zum Vergleich hier auf meinem Schreibtisch zwischen meiner
CODE MX Tastatur und dem alten Grafiktablett „Wacom Intuos Pro M“*.

Je nach Arbeitsschritt kann ich entweder das Loupedeck+ (RAW‐Entwicklung), das Grafiktablett (Retusche) oder die Tastatur (Textverarbeitung) nach vorne holen. Es braucht aber schon etwas Platz auf dem Schreibtisch und wer diesen nicht hat, muss Lightroom oder Capture One schon sehr häufig nutzen, um das in Kauf zu nehmen.

Paradoxerweise bietet sich das Loupedeck trotz der Maße vor allem für Reisen mit einem Laptop an, da die Bedienung etlicher Programme mit Drehknöpfen statt dem Trackpad deutlich bequemer ist.

Software

Die Installation ging einfach und schnell, anstecken, Treiber laden und fertig. Unterstützt werden Windows 10 oder Mac OS 10.12 und höher. Im Loupedeck‐Setup kann eingestellt werden, für welches Programm das Mischpult eingesetzt werden soll, ein Wechsel ist möglich. Unterstützt werden Lightroom, Photoshop, Première Pro, After Effects, Skylum Aurora HDR, Audition, Final Cut Pro X und Capture One (Beta).

Das Loupdeck‐Setup (umrandete Regler können individuell belegt werden, variiert je nach Programm)

Außerdem können viele Tasten individuell konfiguriert werden, es besteht auch die Möglichkeit, das Programmwechseln auf eine Taste zu legen oder mit einer Funktion Loupedeck automatisch auf das zuletzt aktive Programm umzustellen.

Kleine Auswahl der vorhandenen Belegungsmöglichkeiten

Ich habe mir zum Beispiel das Kopieren und Einfügen von CO‐Entwicklungseinstellungen auf L1/L3 gelegt und die Belichtungswarnung auf C1, weil ich dann viele meiner häufig genutzten Funktionen besser in Fingernähe (Daumen auf C1, Zeigefinger auf L3, ggf. L1) habe.

Die unscharfen weißen Kästchen habe ich mir selbst als Beschriftung dazu geklebt.

Hier gab es die erste Hürde, dass Loupedeck bei Capture One ständig in einen anderen Reiter gesprungen ist, wenn ich an einem Regler gedreht habe, weil Loupedeck normalerweise zu dem Reiter springt, der standardmäßig diese Funktion anzeigt. Aber auch das kann im Setup eingestellt werden.

Wenn man viele Tasten individuell belegt, kann man leicht den Überblick verlieren, welcher Regler was macht. Da hätte ich mir eine Art Bildschirm‐Overlay wie beim Wacom‐Tablett gewünscht oder anpassbare LED‐Displays an den Reglern, individualisierbare Tasten‐Aufkleber oder irgendsowas.

Meine Erfahrungen

In den letzten drei Wochen habe ich damit drei komplette Fotosessions von ca. 200–400 Fotos pro Fotoshooting in Capture One 10 entwickelt. Bei der letzten Session habe ich auf die Uhr geschaut und für 360 Bilder ziemlich genau eine Stunde gebraucht, das sind 10 Sekunden pro Bild. (Dieser Wert kann natürlich je nach persönlichem Workflow stark schwanken.)

Für mich ist das etwas schneller als mit Maus und Tastatur, aber vor allem fühlte es sich deutlich spielerischer an. Die Arbeit verging viel schneller, ohne davon genervt zu sein, wieder mit der Maus mehrmals die winzigen Regler treffen zu müssen, um einen Wert um 2–3 Punkte zu ändern. Kurz: Die Aufgabe, viele Bilder entwickeln zu müssen, macht mit dem Loupedeck mehr Spaß.

Vor allem beim Einstellen des Weißabgleichs fand ich das Loupedeck+ angenehmer, weil ich diesen Wert
wegen wechselnden Lichtverhältnissen bei der Copy/Paste‐Zuweisung von vorherigen Entwicklungseinstellungen nicht berücksichtige und ihn nun durch kurzes Drehen am passenden Rädchen korrigieren kann.

Angenehm ist auch, dass das Loupedeck eine natürlichere Handhaltung erlaubt und so die geplagte rechte Maushand mit strapazierten Sehnen eine Weile entlastet.

Die Drehknöpfe findet man nach einer Weile auch ohne Hinschauen, weil sie so angeordnet sind, dass man sie auch „erfühlen“ kann. Verbesserungswürdig fand ich die Haptik der Drehtasten, da diese sehr leichtgängig und ohne haptisches Feedback sind, sodass man schnell mal weiter gedreht hat als man eigentlich wollte.

Die Pfeiltasten unten rechts nutzte ich im Test zum Blättern durch die Bilder. Das funktionierte prinzipiell gut, aber aus mir unerfindlichen Gründen wechselten diese ihre Funktion manchmal zum Weißabgleich‐Modus und erst wenn ich mit der Maus das nächste Bild auswählte, war die übliche Funktion wiederhergestellt. Das mag an der Beta‐Version der Capture One‐Unterstützung liegen und wird hoffentlich bald verbessert.

Preislich liegt das Loupedeck+ im Vergleich zu DIY‐Varianten, wie sie hier im Blog vor fünf Jahren vorgestellt wurden, ganz gut, zumal eben die zeitraubende Einrichtung und der Zusammenbau entfällt. Auch im Vergleich zu Alternativen wie dem „Palette Gear Professional Kit“ ist es günstiger. Das Loupedeck+ kann zum Beispiel hier bei Amazon für 239 Euro* bestellt werden.

Meine Schreibtisch‐Anordnung, wenn das Loupedeck nicht benutzt wird

Disclaimer: Testgerät wurde von der Firma kostenlos zur Verfügung gestellt, auf den Inhalt des Testberichts hatte diese keinen Einfluss.
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Rezensionen

Rezension: „Agenten der Bilder“ von Annette Vowinckel

26. Februar 2018 Robert Kneschke

Es gibt etliche Bücher über Fotografen und die Fotografie, deren Theorie, Geschichte und die verschiedenen Genres.

Über die wirtschaftliche Seite der Fotografie und die Vertriebswege wird jedoch deutlich weniger geschrieben. Die zweite Reihe hinter den Fotografen, die Bildredakteure und Bildagenturen, geraten da sehr selten in den Blick. Dabei entscheiden sie fast mehr als die Fotografen selbst, welche Bilder zu Ikonen und welche vergessen werden, indem sie bestimmen, welche Motive auf die Titelbilder großer Zeitungen und Zeitschriften kommen.

Deshalb war ich sehr gespannt, als die Historikerin Annette Vowinckel (Leiterin der Abteilung für Mediengeschicke am Zentrum für Zeithistorische Forschung Potsdam) vor einer Weile ihr Buch „Agenten der Bilder. Fotografisches Handeln im 20. Jahrhundert“* im Wallenstein Verlag (ISBN 978–3-8353–1926-4) veröffentlichte.

Auf 480 Seiten geht sie der Frage nach, „wer die Fotografien wo, wann und in welcher Erwartung platziert und nach welchen Kriterien bestimmte Bilder ausgewählt und andere vergessen oder verhindert werden“ (S. 8).

Statt wie so oft eine Motivanalyse zu versuchen, geht Vowinckel anders vor: „Ich konzentriere mich dabei auf das, was ich als ‚Bildhandeln‘ bezeichne, gehe also nicht von den Bildern aus, sondern von den Handlungen, deren Ziel und Inhalt die Produktion und Zirkulation von Bildern ist“ (S. 15).

Das Buch ist neben den Pflichtteilen wie Einleitung, Schluss und diversen (Quellen-)Verzeichnissen in fünf Abschnitte geteilt.

Im ersten Teil, „Die Entstehung einer globalen visuellen Öffentlichkeit“ genannt, beschreibt sie historisch den Aufbau der ersten (Nachrichten-)Bildagenturen und welche Rolle dabei der Zweite Weltkrieg gespielt hat. Der zweite Teil ist den „Berufsgruppen“ gewidmet, namentlich den Fotojournalisten und Bildredakteuren: Deren Herkunft, Motivation, Werdegang und Selbstverständnis werden nachgezeichnet.
Der dritte Teil betrachtet die „Fotografie im Staatsdienst“, vor allem in der Armee und zivilen staatlichen Organisationen.
Teil vier nennt sich „Bildsteuerung und Bildverwendung“ und beschäftigt sich mit Zensur, fotografischer Ethik und Evidenz.
Der fünfte Teil geht sechs Fallbeispiele durch, namentlich Fotojournalismus in Afrika, Fotografische Subversion in der DDR, Faschismus und Antifaschismus, der Kalte Krieg, der Bilderkrieg in Vietnam und Politiker.

Im Buch sind etliche spannende Themenfelder versteckt, zu denen ich noch kommen werde. Unbefriedigend ist jedoch, dass sich beim Lesen manchmal das Gefühl einstellt, die Autorin würde über ihre eigene Ansprüche stolpern.

Das fängt gleich in der Einleitung an, wo sie das „Bildhandeln“ als zentrales Element ihrer Arbeit ausmacht und Fragen aufwirft wie „Was unterscheidet eine Bildhandlung von einer Sprachhandlung?“, „Welche Formen des Bildhandelns hat die Moderne im Schatten der Massenproduktion […] vervorgebracht?“ und „Wie verändert sich das Politische unter dem Ansturm der Bilder, der das 20. Jahrhundert prägte […]?“ (alle S. 15), obwohl es im Folgenden dann „nur“, dafür aber materialgesättigt, um die Herstellung und den Vertrieb von Bildern geht.

Theoretisch ganz spannend führt sie fünf Kategorien ein, nach denen „Bilder als Argumente“ (S. 19) dienen: Erstens zur Herstellung einer visuellen Öffentlichkeit, zweitens zur Agitation, Propaganda und Public Relations, drittens zur Solidarisierung mit den Opfern von Krieg und Gewalt sowie zur humanitären Anklage, viertens zur fotografischen Subversion und fünftens zum Erbringen von Evidenz.

Mal ganz abgesehen davon, dass sie diese ohne jegliche Erwähnung des „Geldverdienens“ immer als handlungsleitend ansieht, erklärt sie gleich darauf, sich nicht an diese Struktur im Buch halten zu wollen.

Sehr erhellend ist das Kapitel über die Bildredakteure, weil dieser Aspekt der kommerziellen Fotografie meist zu kurz kommt. Vowinckel schreibt beispielsweise, dass etliche Fotografen einfach ihre vollen Filme in der Redaktion ablieferten und sich nicht weiter darum scherten, was die Bedeutung der Bildredaktion für die Entstehung ikonischer Motive hervorhebt.

Auch die Details im ersten Teil über die Entstehung von Bildagenturen wie Associated Press (AP) und mit welchen technischen Kniffen sie sich gegenüber der Konkurrenz durchsetzen konnten, habe ich noch nirgendwo anders gelesen.

Ähnliches gilt für das Kapitel über die Fotografie im Staatsdienst. Es liefert einen spannenden Einblick in die verschiedenen Überlegungen, wie Fotografien seitens der Armee für ihre Zwecke genutzt werden könnten und wie diese Ideen praktisch umgesetzt wurden.

Aber oft ging es mir im Buch dann doch sehr häufig wieder um die, teils sehr bekannten, (Kriegs-)Fotografen wie Robert Capa, W. Eugene Smith, Dorothea Lange oder James Nachtwey und was sie im Einsatz erdulden mussten. Dabei wäre selbst innerhalb der gewählten Fallbeispiele interessant gewesen, wie beispielsweise Bildredaktionen in der DDR arbeiteten oder zu Zeiten des Kalten Krieges oder wie sich der Vertrieb der Bilder auch nach dem Zweiten Weltkrieg mit den wachsenden technischen Möglichkeiten gewandelt hat.

Nichtsdestotrotz ist das Buch eine faktenreiche Sammlung zur Fotogeschichte. Vor allem wer sich für die Kriegsfotografie und Dokumentarfotografie interessiert, wird beim Lesen auf seine Kosten kommen.

Es ist hier im Buchhandel* für 34,90 Euro als Hardcover mit Schutzumschlag erhältlich.

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Rezensionen, Stock-Videos

Rezension: „Portrait Lighting for Photo, TV and Cinema“ von Achim Dunker

1. November 2017 Robert Kneschke 1 Kommentar

Waren die ersten beiden Bücher des Kameramanns und Diplom‐Filmingenieurs Achim Dunker eher theoriebezogen, ist sein drittes Buch „Portrait Lighting for Photo, TV and Cinema“* komplett für die Praxis.

Im Buch geht es wie im ersten Buch um die Beleuchtung von Personen, vor allem von Portraits, für Foto‐ oder Filmaufnahmen.

Ähnliche Bücher gibt es einige, der Unterschied hier ist jedoch der starke Praxisbezug. Das fängt beim Format an: Mit DIN A6 ist das Buch minimal kleiner als eine Postkarte und passt damit in jede Kameratasche.

Ohne viel Gerede werden die Lichtaufbauten (naturgemäß mit Dauerlicht) einmal als grafische Skizze gezeigt und dazu das fertige Ergebnis. Meist gibt es auch noch ein Foto des Beleuchtungsaufbaus mit Hintergrund dazu:

Beispielseite aus dem Buch „Portrait Lighting“

Der Text beschränkt sich auf das Wesentlichste und kommt in sieben Sprachen daher. Neben deutsch werden auch englisch, spanisch, französisch, italienisch, russisch und chinesisch abgedeckt. Damit sollte auch die Kommunikation im multi‐lingualsten Filmteam möglich sein. Hier taucht auch der einzige Kritikpunkt auf, denn unter den vielen verschiedenen Sprachen leidet etwas die Übersichtlichkeit.

Insgesamt sind 100 Lichtaufbauten im Buch abgedeckt, vom einfachen „10‐Euro‐Studio“ bis hin zur komplexen Ausleuchtung von Gruppen. Bei einem Preis von knapp 12 Euro* ist der Kauf für Kameraleute oder Beleuchter (und Fotografen) ein No‐Brainer.

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Business, Rezensionen

Rezension: „Selbständigkeit als Fotograf(in)“ von Ralf und Nicole Obermann

18. August 2017 Robert Kneschke 5 Kommentare

Bücher mit Anleitungen für bessere Bilder gibt es wie Sand am Meer.
Bücher über die Business‐Aspekte der Fotografie sind deutlich rarer, weshalb ich mir mit Interesse das neue Buch „Selbständigkeit als Fotograf(in)“* von Ralf und Nicole Obermann (erschienen im dpunkt.verlag) angesehen habe.

Der Untertitel verspricht, „ein Ratgeber für den Einstieg in Teil‐ und Vollzeit“ zu sein. Auf ca. 240 Seiten bespricht das erfahrene Hochzeitsfotografie‐Paar Themen wie unterschiedliche Rechtsformen, Zielgruppen‐Analyse, Kundengespräche, notwendige Versicherugen, den Businessplan, Preisgestaltung und mehr.

Das Buch geht stillschweigend davon aus, dass ihr schon fotografieren könnt, was aus meiner Sicht vollkommen okay ist. Das Buch ist auch kein Motivationsbuch im Sinne von „Du schaffst das, wenn Du nur fest an Dich glaubst!“, auch wenn auf den ersten Seiten leider einige Plattitüden wie „lebe Deinen Traum“ oder „Vertrau Dir, dann vertrauen dir auch andere“ zu lesen sind.

Ich wünschte, ich hätte zum Start meiner eigenen Selbständigkeit ein Buch wie dieses gelesen, dann wären mir einige Kopfschmerzen erspart geblieben. Themen wie „Was gehört auf eine richtige Rechnung“ oder „Welche Versicherungen brauche ich“ musste ich mir noch im Internet zusammensuchen, hier gibt es sie sortiert zwischen zwei Buchdeckeln gebündelt. Selbst wenn ich keine eigenen Kunden bediene, fand ich das Kapitel 10 über den Umgang mit Kunden sehr nachvollziehbar und für Anfänger sicher lehrreich.

An vielen Stellen im Buch finden sich lange Listen mit Fragen, welche sich der Einsteiger stellen sollte, um herauszufinden, wie und wo er sich positionieren soll. Das sind Fragen wie „Wie fotografiere ich?“, „Verdiene ich Respekt?“, „Hat meine Dienstleistung einen Mehrwert?“, „Ist euer Foto‐Look zeitgemäß?“ oder „Seid ihr mental fit für die Selbständigkeit?“. Es ist legitim und auch hilfreich, solche Fragen zu stellen, aber gerade bei komplexeren Fragen hätte ich mir oft einige mögliche Antwortbeispiele gewünscht, um zu sehen, wasfür Antwortarten möglich sind und wie diese genau die eigene Tätigkeit beeinflußen.

Besonders deutlich wird das im Kapitel „Zielgruppe finden“. Hier soll man seine „Wunschkunden“ nach Alter, Geschlecht, Einkommen, Bildung, Werten und Persönlichkeit definieren. Welche Schlußfolgerungen daraus folgen, bleiben für den Leser jedoch – bis auf Gemeinplätze wie „wer Kunden mit Niveau sucht, muss niveauvoll sein“ – unklar.

Hier hätten Ralf und Nicole Obermann mehr Beispiele aus ihrer Praxis einbringen können. An einer Stelle (Seite 46) im Buch erwähnen sie zum Beispiel, dass es selbst innerhalb der Ausrichtung „Hochzeitsfotografie“ fünf verschiedene Gruppen gäbe. Wie diese heißen, bleibt jedoch unerwähnt, obwohl genau das die richtige Stelle gewesen wäre, um anhand verschiedener Zielgruppe praxisnahe Unterschiedungen für das eigene Fotografie‐Business zu geben.

Insgesamt ist das Buch für Leute, die sich mit ihrer Fotografie selbständig machen wollen, jedoch hilfreich genug, um zu eine Kauf zu raten. Leser dürfen aber nicht erwarten, komplette Praxisanleitungen „nachbauen“ zu können, sondern müssen damit rechnen, sich gedanklich viele Fragen zu beantworten. Wer sich die Zeit nimmt und darauf einlässt, sieht seinen Weg ins Fotografie‐Business danach wahrscheinlich klarer.

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Rezensionen

Rezension: Fotobücher über New York City

19. Juni 2017 Robert Kneschke

Auch – oder weil – meine Fotos weit davon entfernt sind, große Kunst zu sein, schaue ihr mir gerne Bilder anderer Fotografen an, von denen ich hier oder hier schon mehrmals welche vorgestellt habe.

Heute soll es jedoch um die Metropole New York gehen, die mit ihren Wolkenkratzern und der Halbinsel‐Lage einen ganz eigenen Charme hat, dem ich regelmäßig, auch fotografisch, erliege.

Eines der ersten Fotobücher über New York, was mich wirklich in den Bann gezogen hat, war „Above New York“* von Robert Cameron, welches 1988 erschien und die Großstadt in beeindruckenden Luftaufnahmen zeigte. Selbst wenn heutzutage Dronen zu einer Inflation der Draufsicht‐Perspektive geführt haben, sind die New Yorker Aufnahmen immer noch beeindruckend, weil sie jetzt eine Art archivarischen Charakter haben. Breitformatig liefern sie als Wimmelbilder mit historischem Bezug stundenlange Suchspiele und geben aus der Ferne einen Blick auf die Stadt frei, den man als Tourist höchstens annähernd im Landeanflug erhält.Nahezu das Gegenteil der opulenten Luftaufnahmen ist im Bildband „Drive‐By Sho otings“* von David Bradford zu sehen. Hier hat der Taxifahrer Bradford – oft während der Fahrt – Street‐Aufnahmen der Stadt in schwarz‐weiß und von unten gemacht. Diese sind oft düster, zeigen Menschen, die sich meist unbeobachtet fühlen, weil ein Taxi in New York kaum Aufsehen erregt und dadurch sind die Bilder auch dicht am Geschehen und führen uns in Ecken, die ich zu Fuß als Tourist nicht immer betreten wollen würde.

Den großen Rundumschlag liefert jedoch das opulente Buch „New York. Portrait of a City“* (TASCHEN) des Herausgebers Reuel Golden, welcher unter anderem Chefredakteur beim British Journal of Photography war. Auf knapp 600 Seiten liefert es die geballte Kompetenz von über 150 berühmten Fotografen, die New York von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis 2009 dokumentiert haben. So lässt sich in eindrucksvoll großformatigen Aufnahmen die Architektur, Mode, Arbeit und Kultur der Stadt zeitlich nachverfolgen. Genau wie beim ersten echten Besuch der Großstadt erlebte ich beim Blättern durch das Buch immer wieder Déjà‐vus, weil viele der Bilder längst zu Ikonen geworden sind, die mir schon mehrfach in Museen, Fotoausstellungen oder in Zeitschriften begegnet sind.

Einer der Fotografen aus dem obigen Buch erhielt kürzlich erst seine erste große Monografie im Verlag TASCHEN: „Marvin E. Newman“*. Reuen Golden ist hier ebenfalls Herausgeber und kuratiert ca. 170 Bilder des gebürtigen New Yorkers Marvin E. Newman, der als einer der Ersten einen Master of Science in Fotografie vom Institute of Design in Chicago erhielt. Vor allem in den 1950er bis 1970er Jahren fing Newman des Leben in New York City ein und machte dabei als einer der ersten großzügig von den Möglichkeiten des damals noch neuen Farbfilms Gebrauch. Neben der Großstadt sind im Buch auch noch einige seiner Sportfotos und Aufnahmen aus anderen Teilen der USA zu sehen. Die „Collector’s Edition“ ist gerade in limitierter und signierter Auflage erschienen, die unlimitierte Auflage wird nächstes Jahr erscheinen.

Coney Island, 1953 (aus dem Buch „Martin E. Newman“)

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